Nino Mustica wurde am 26. August 1946 in Adrano, in der Provinz Catania, geboren.

Sein Vater ist Bauingenieur und stammt aus Leonforte, einer Stadt in der Provinz Enna an den Südhängen der Erei-Berge südlich des Monte Altesina. Seine Mutter entstammt einer aristokratischen Familie aus Adrano und hegt eine Leidenschaft für Literatur, Musik und Malerei. Er hat einen älteren Bruder, Gaetano, der sechs Jahre alt ist, und eine jüngere Schwester, Mariella, die zehn Jahre nach dem ältesten Sohn geboren wurde.

Ich bin überzeugt, dass Sizilien mir Menschlichkeit und Kontaktfreudigkeit vermittelt hat. Ich habe dort gelernt, anderen nahe zu sein, sich gegenseitig zu helfen, die Stimmung zu verstehen und Kontakt mit der Natur und den Menschen zu haben. Als ich fünfzehn war, bin ich in die Stadt gezogen und alles hat sich geändert.[i]

Im Alter von vierzehn Jahren verließ er sein Elternhaus. Er zog nach Catania, etwa dreißig Kilometer entfernt, um dort das Kunstinstitut zu besuchen. Es war eine natürliche Entscheidung, die seinen Neigungen entsprach, aber eine schmerzliche, wenn man sich die Wünsche seines Vaters ansieht, der es gerne gesehen hätte, wenn Nino seinen eigenen Weg gegangen wäre und ein klassisches Studium absolviert hätte: Tatsächlich besucht er ein Jahr lang das Gymnasium, scheitert aber. In Catania zieht Nino zu seinem Bruder Gaetano, der Jura studiert, und sie leben zusammen in einer Pension. Es sind entbehrungsreiche Jahre, das Verhältnis zum Vater ist schwierig, und Gaetano jobbt neben dem Studium, um sich und seinem Bruder etwas Freude zu gönnen.

Meine Mutter widmete sich der Malerei, mein Vater war Ingenieur, ich selbst hegte den Wunsch, Architekt zu werden, malte aber auch selbst. Unter anderem absolvierte ich ein Studium im Bereich der Malerei. Ich absolvierte ein Studium an der Kunstschule bei Pippo Giuffrida, einem guten Meister der Malerie, der mich in die Bedeutung und die Emotionen der Farbe einführte. Giuffrida ist ein bemerkenswerter Künstler, der jedoch nur wenige Bekanntheit genießt, wie andere Künstler, die ich in diesen frühen Jahren des künstlerischen Lernens zufällig und häufig traf.

Die Entscheidung zwischen Architektur und Malerei fiel mir schwer, da ich der Überzeugung bin, dass die Struktur der Dinge eine entscheidende Rolle spielt. Struktur bedeutet für mich Architektur. Die Wissenschaft bildet eine wesentliche Grundlage für meine künstlerischen Aktivitäten, wobei ich auch der Welt der Fantasy und der Science-Fiction eine hohe Affinität entgegenbringe.

[i] Claudio Cerritelli, Dialogo per conoscere Mustica, in Claudio Cerritelli (ed.), Nino Mustica. Arie colorate, Mazzotta, Mailand 1993,
 S. 22

Im Jahr 1964, im Alter von 18 Jahren, zog er nach Rom, um sein Studium an der Akademie der Schönen Künste fortzusetzen. Er studierte chalcographische Techniken bei Mino Maccari. Im folgenden Jahr, 1965, verließ die ganze Familie die Provinz und zog nach Catania.

Um die Wahrheit zu sagen, es war keine aufregende Erfahrung, ich habe an der Akademie nichts gelernt, außer in einer interessanten Stadt zu leben, wie Rom damals war. Ich lernte die Kunst großer Meister kennen, ich sah Ausstellungen von Künstlern, die mich beeindruckten, von Sanfilippo bis Novelli. Der Gravurkurs von Maccari hat mir etwas gegeben, schließlich mag ich diese Technik sehr, aber ich interessiere mich auch für Fresko und Enkaustik, fast vergessene Techniken, die ich für wichtig halte, um mich voll und ganz mit dem malerischen Ausdruck auseinanderzusetzen.

Die ersten malerischen Werke sind figurativ. Es handelt sich größtenteils um Temperamalerei auf kleinem Papier mit leuchtenden und kräftigen Farben. Die Titel sind beschreibend oder evokativ, die Themen werden instinktiv interpretiert, mit Themen von fantastischem Realismus. Es tauchen immer wieder Tiere auf (Arena, 1965; Il gallo rosso, 1965), weibliche Figuren (Trasognata, 1964; Donna del sud, 1964; In cucina, 1965; Interno esterno, 1966; Nuda al sole, 1967; Silenziosa nostalgia, 1967; L’aristocratica, 1968; L’ultimo sole, 1968), Kindheitserinnerungen (Embrione, 1964; Cavallina, 1964; Memorie, 1967; Mia madre, io 1967), die sizilianische Landschaft als Kulisse.

Es entstehen auch Darstellungen von Szenen aus dem gesellschaftlichen Leben, die sich auf übliche Themen, auf seine Heimat oder auf aktuelle Ereignisse beziehen: Artikel 587, 1964 stellt einen bestraften Ehebruch dar; A Marthin Luther King, 1966 ist eine Hommage an den Führer der Bürgerrechtsbewegung für Afroamerikaner.

Er experimentierte mit Holzschnitten, Linolschnitten und Radierungen. In diesen Werken manifestiert sich die Beziehung zum Bild in einer härteren Form, die allein durch Schwarz und Weiß akzentuiert wird. Seine grafische Studien sind von großer Bedeutung: Er beherrscht die Techniken so gut, dass er nach seiner Rückkehr nach Catania in seinem Atelier auch eine Druckpresse installiert und Gravuren für andere Künstler anfertigt.

Für Mustica ist die Beziehung zu seiner Heimat seit seinen frühesten Werken, den figurativen Erfahrungen seiner Lehrjahre, einer substanziellen und dramatisch expressiven Figuration, bis zu seiner Ankunft in einem entschieden abstrakten und informellen Bereich epidermisch. Diese Beziehung ist dadurch charakterisiert, dass sie von der Wiedererlangung minimaler Empfindungen bestimmt ist, von ‚ Luftzügen ‚, die Erinnerungen aktivieren, wie unsichtbare Zeichen, die die Zeit hinterlassen hat, wie das Blau, das der frische Nordwind an den Küsten des Ionischen Meeres zum Leuchten bringt. [i]

[i] Massimo Bignardi, Arie colorate in Claudio Cerritelli (Hrsg.), op. cit., S. 6

Im Jahr 1968 heiratete er Anna Rita Maccarone, mit der er 1970 einen Sohn namens Alessandro bekam. Kurze Zeit später endete die Beziehung. 1973 lernte er Anna Amato kennen, seine Partnerin bis 1982.

Nachdem er 1969 sein Studium an der Akademie der Schönen Künste in Rom abgeschlossen hatte, kehrte er nach Sizilien zurück, wo er bis 1991 als Dozent für Malerei am Kunstinstitut in Catania tätig war. Parallel zur Lehrtätigkeit übte er seine Malerei in zwei Ateliers aus: zunächst in der Via Imbriani 181, dann in der Via Amore 4.

Ich habe mit großem Enthusiasmus unterrichtet. Die Studenten sprachen mich mit ‘Du‘ an. Es gab keine Klassenzimmer oder Register mehr. Wir arbeiteten und experimentierten gemeinsam. Ich war einer der ersten in Catania, der den Kunstunterricht revolutionierte.

Die Werke aus der späten Phase der 1960er und frühen 1970er Jahre zeigen eine anhaltende figurative Prägung: Er widmet sich in seinen Werken der Darstellung von Landschaften, der Natur und Tieren sowie einsame Figuren. Häufig sind die Augen umkreist, was auf Melancholie hindeutet (Rabbia, 1968; Silenzio, 1969; Mia sorella in cucina, 1970; Inizio di primavera, 1970; Silenziosa e sola, 1971; Tre amori, 1973). Diese Tendenz lässt sich auch in der Stilistik des Künstlers wiederfinden. Die Titel weisen auf die Verbindung mit Naturphänomenen und der Umwelt hin, jedoch kündigt sich in den anthropomorphen und zoomorphen Figuren der Beginn einer dekompositorischen Vision an: Die Linien brechen auf, die Strukturen sind weniger definiert und erkennbar, während die Farben hell und warmtonig bleiben

Bereits Mitte der 1960er Jahre, als Mustica sich der Kunstwelt in der von Provinziertheit geprägten Realität seiner Heimatstadt Catania näherte, manifestierte sich das Festhalten an der Malerei als kongeniale Form für seinen chromatischen Vitalismus. Seine ersten Versuche sind mit dem figurativen Realismus verbunden, der in Sizilien, nicht nur zu dieser Zeit, die malerische Ausbildung eines jungen Künstlers stark beeinflusste. Die Figuration stellt für Mustica eine intuitive Malweise dar, während seine Beziehungen zu dem kulturellen Umfeld, das um künstlerische Vorbilder wie Emilio Greco oder Renato Guttuso herum entstand, gelegentlich und nicht programmatisch, im Grunde sehr selten, bestehen.Stattdessen besteht ein intensiver Wunsch, die unmittelbare Emotion des Zeichens, die persönliche Erfindung der Farbe, d. h. Aspekte, die von der Rhetorik des figurativen Realismus losgelöst sind, im expressiven Instrument der „Figur“ einzufangen. Dem jungen Mustica sind die Modelle dieses Kulturkreises nicht fremd, jedoch gelingt es ihm, diese in freie Interpretationen zu übersetzen. Diese reichen von sizilianischen Kunstformen, die mit Geschichtenerzählern verbunden sind, bis zu Figuren aus der bäuerlichen Welt. Hinsichtlich der vorliegenden Analyse überwiegt die Mythologie der Landschaft, der Sinn für Farbe als Freude und Vitalismus, die Idee eines chromatischen Gefühls, das das außergewöhnliche Land Sizilien als Ort der Meditation und der Formgebung nahelegt. [i]

[i] Claudio Cerritelli, Il sentimento cromatico 1980-1989, in Claudio Cerritelli und Tonko Maroević (Hrsg.), Mustica 1980-1995, Hefti Edizioni, Mailand, S. 14-15

Ab Mitte der 1970er Jahre überlappen sich die Ebenen, und es kommt zu einer Absetzung der Farben. Die Negation der Figur erfolgt zunächst unter informellem Impuls durch die Zerlegung des Bildes, dann stabilisiert sie sich in der Suche nach den abstrakten Ursprüngen des Zeichens oder der Farbe. In den Werken werden Ecoline und Ahle eingesetzt, um mittels Ritzen und Kratzen Oberflächen zu gestalten. Die Figuren sind in den Werken zunehmend schwer erkennbar, abgesehen von den Titeln, die eine beschreibende Funktion beibehalten (L’albero, 1974; L’aquilone, 1974; La nuvola, 1974; Il tuono, 1974). Die 1974 entstandene Serie Volti nimmt die Idee des Zyklus und der Serialität vorweg, ein Thema und eine Arbeitsmethode, die in den folgenden Jahren in der Produktion wieder auftauchen werden.

Die Hauptreferenzen für den Künstler sind in dieser Zeit die Fauves, Matisse, Picasso sowie der deutsche Expressionismus.

Er beginnt, längere Zeit zu reisen, ohne seine Routen zu planen und ohne bei seiner Rückkehr Einzelheiten über die besuchten Orte zu erzählen. Diese Reisen bringen ihn in Kontakt mit der zeitgenössischen internationalen Kunstproduktion und führen zu einem Wandel von der figurativen zur informellen Kunst. Er besucht den Nordpol, die Länder Nord- und Osteuropas, insbesondere Ungarn, die Deutsche Demokratische Republik und Berlin. 1977 ist er in Kopenhagen, Dänemark, wo er Wandmalereien für einen Spielplatz anfertigt. Im folgenden Jahr, 1978, reist er aus demselben Grund nach Paris, Frankreich.

Seine erste Einzelausstellung findet 1979 statt. Wir befinden uns in Pavia, im Palazzo Comunale.

In den sechziger Jahren ist das künstlerische Schaffen Musticas, der mit fieberhafter jugendlicher Leidenschaft das Universum der Zeichen neu gestaltet, auf die Werte und Farben seiner sizilianischen Heimat beschränkt. Die blaue Horizontlinie, welche den Himmel vom Profil der Berge von Adrano trennt, aus dem der Ätna herausragt, ist reich an Figuren, geheimnisvoll und scheinbar einfach. Der Faden, der die Konturen dieses per definitionem turbulenten Landes zeichnet, bietet mit jedem Blick weitere Kombinationen von Visionen und neue Interpretationen. Die Welt durchläuft in den frühen sechziger Jahren des 20. Jahrhunderts einen signifikanten Wandel. Auch auf der Insel manifestieren sich Anzeichen dieser Transformation. Am Staatlichen Kunstinstitut von Catania begegnet Mustica einer von jugendlicher Vitalität und einem aufregenden Klima geprägten Generation, die entschlossen ist, die Welt neu zu gestalten und die bald alle in den 68er-Aufstand schicken würde. Es ist aufgeheizt in jenen Jahren, in denen sich aufstrebende Künstler und junge Protestler gemeinsam mit ihren Lehrern mit der Rolle der Kunst in der modernen Gesellschaft beschäftigen, theoretische und praktische Ausdrucksmöglichkeiten entwickeln und Workshops für die Macht der Fantasie ins Leben rufen. Zu Beginn der siebziger Jahre reisen die neuen Kritiker der modernen Kunst nach Sizilien. Die Debatte fokussiert sich auf die Einflüsse und Überschneidungen zwischen Pop Art und Arte Povera. Es werden Ideen verglichen und Unterschiede zwischen den Vereinigten Staaten von Amerika und Italien herausgearbeitet. Während seiner Aufenthalte in Rom, New York und Mailand bemüht sich Mustica, zeitgenössische Künstler zu treffen, um Erfahrungen auszutauschen und Thesen zu diskutieren. Man Ray, Francis Picabia, Jackson Pollock, Picasso, Marcel Duchamp, Antoni Tâpies, Andy Warhol, Joseph Delaney, William Johnson sind die Meister der zeitgenössischen Kunst und die radikalen Inspirationsmodelle der neuen italienischen Künstler, die der Welt des Konsums und der Waren den Wert absprechen und die Ethik als Primat der Kunst vorschlagen. Konzeptionelle Kriterien zur Untersuchung der physischen Welt und der menschlichen Erfahrung werden zu Werkzeugen für den Dialog zwischen Kunst und Mensch.[i]

[i] Fortunato D’Amico, Cibo per la mente, in Fortunato D’Amico (Hrsg.),
Mustica. Sparkle, Charta, Mailand, 2012, S. 11